La Ricotta es uno de los cuatro cortos presentes en Ro.Go.Pa.G. Dirigido por Pasolini, cuenta la vida y muerte de un hombre pobre y hambriento que actúa en un filme sobre la Pasión de Cristo.
En este corto, Giovanni Strazzi es el hombre pobre y hambriento que busca a lo largo de la historia algo que comer, primero se ve forzado a dar su ración a su familia, luego se disfraza de uno de los personajes de la obra para recibir otra ración pero esta es comida por el perro de la mujer del director (Orson Welles), quien es entrevistado por un periodista algo tonto, al cual ridiculiza sin que éste se dé por aludido.
Entre estas escenas se encuentran también las recreaciones de las escenas de la pasión de Cristo, las cuales si bien tienen un contenido religioso se desarrollan en un ambiente informal, donde los actores se rien, aburren y equivocan.
Cuando Strazzi finalmente consigue algo de comer, su desesperación es vista por los otros miembros del elenco, quienes se burlan de la forma en que come y le dan más comida, la cual este consume de forma frenética. Cuando debe “actuar” en su papel de ladrón bueno, la combinacion de haber comido tanto y la posición incómoda de hallarse sobre una cruz durante varias horas causa que muera de indigestión.
La película es una crítica ácida a la sociedad italiana, especialmente al clero, quienes prefieren llenarse de lujos e ignorar a los pobres, contrariando así los mandamientos de Cristo, el cual era uno de los personajes que más fascinó a Pasolini.
Akira Kurosawa es uno de los directores japonés que más ha influido en el cine occidental, en sus películas suele analizar la naturaleza humana, obviamente influenciado por sus propias experiencias y los traumas vividos por el pueblo japonés durante la segunda guerra mundial, pero cuyo mensaje profundamente humano los convierte en universales. La raison d'etre, la naturaleza humana, la injusticia y la alegría de vivir son algunos temas que ha abordado a lo largo de su prolífica carrera.
Rashomon inicia con el encuentro durante una noche lluviosa en las ruinas de un templo de un campesino con un monje y un leñador que se encuentran afligidos y meditativos por las historias que escucharon por el juicio de un asesinato de un samurai y la violación de su esposa por un bandido. Para satisfacer la curiosidad del recién llegado le relatan las tres historias contadas por los implicados, el bandido Tajomaru, el samurai muerto a través de una médium y su esposa ante el señor del Castillo que juzga el caso de asesinato. Los tres presentan versiones contradictorias del mismo suceso que terminan siempre en la muerte del samurai, aún insatisfecho, el campesino nota el nerviosismo del leñador y le convence para que cuente su historia, pues este asegura que había visto lo acontecido pero que no contó su historia para quedarse con una preciosa daga que portaba la esposa y que olvidó en el bosque.
La historia contada por el leñador es mucho menos romántica que las tres primeras, en esta los tres implicados actúan de un modo más patético y egoísta que en las versiones anteriores, y concluye con el asesinato por parte del samurai por parte de Tajomaru después de un ridiculo duelo y el escape de la esposa. Luego de terminar su relato los hombres escuchan el llanto de un bebé y cuando van a investigar lo encuentran en una esquina, acostado sobre un kimono y con un amuleto de protección, sin embargo el campesino en lugar de socorrer al bebé toma la ropa y el amuleto e intenta irse, el leñador indignado le recrimina su accionar pero el otro le responde que él ha hecho lo mismo con la daga y que para sobrevivir todos son egoístas. El monje desilusionado del accionar de los hombres se niega inicialmente a darle el bebé al campesino, pero este le dice que tiene seis hijos y que uno más no hará diferencia, asumiendo que robó la daga para mantener a su familia, el monje le da al niño y recupera su fe en la humanidad.
La forma de contar varios versiones diferentes del mismo suceso y la final sea la verdadera es conocida como “El efecto Rashomon”, pero esto es solo acercarse superficialmente a la película de Kurosawa. Todas las versiones son igualmente plausibles o falsas porque todos los personajes tienen intereses propios que defender. En el caso de Tajomaru, quien va a perder la vida de todos modos, le interesa hacer creer que es un gran ladrón y experto espadachín, por lo que cuenta que tuvo un honorable duelo con el Samurai por la mujer en el que finalmente le da muerte; en el de la esposa, esta pretende justificarse como una esposa devota a la cual la frialdad de su marido la llevó a cometer el crimen y en el del samurai, quien busca que no manche su honor después de su muerte, al contar que optó por el suicidio para salvar su integridad moral, La historia del leñador, considerada por muchos como la auténtica, esta diseñada también para beneficiar a su autor,mediante su relato expuso a los implicados como sumamente egoístas y cobardes (el samurai tiene miedo de pelear, la mujer es una manipuladora harta de su matrimonio y Tajomaru solo es un simple ladrón que carece de cualquier tipo de maestría con la espada), justificando en cierta forma el robo de la daga, algo que le echara en cara el campesino durante su propia justificación de su robo al bebé de sus pocas pertenencias con las que fue abandonado (“Si no eres egoísta no puedes sobrevivir”).
Rashomon finaliza en un aparente final feliz, sin embargo en los espectadores crece la duda si lo que vimos es cierto, si el leñador tiene 6 hijos o sera un borracho que se gastó el dinero en que obtuvo vendiendo la daga en sake. Sin embargo más que enfocarnos en el leñador y la veracidad de su historia, debemos dirigir nuestra mirada al monje y su renovada fe en la humanidad, aunque parezca probablemente basada en otra mentira.
La fascinación que sentía Fritz Lang por el personaje del Doctor Mabuse, se inició con esta película de 1922, a la cual seguirían posteriormente dos más. A diferencia de otras películas mudas, esta tuvo inicialmente una duración de 4 horas, que posteriormente fue reducida a dos partes de 270 minutos en total.
Der Spieler cuenta la historia del Doctor Mabuse, un psicólogo que a través de la manipulación, la hipnosis, la estafa y métodos menos delicados como el robo y el asesinato planea junto a sus secuaces enriquecerse ilegalmente mediante la manipulación de las especulaciones financieras. Sin embargo, el doctor Mabuse posee un adversario peligroso en el inspector de policía Norbert Von Wenk, quien pacientemente sigue el rastro criminal de Mabuse.
Como otras películas de Lang, Der Spieler posee elementos de crítica social, como la forma en la que se representa a los personajes de clase alta, quienes son debiluchos y fácilmente manipulables , por lo que se convierten sin querer en cómplices de Mabuse. Sin embargo, el rasgo más prominente de la película es el contraste generado entre el accionar de los dos personajes principales, por un lado Mabuse lleva a cabo sus obras maestras de villanía con una precisión asombrosa, anticipando el resultado final y nunca dejando nada al azar, posee múltiples talentos y un grupo de secuaces que le son leales ya sea por afinidad o por miedo. En cambio, Von Wenk es más un hombre común, no tiene muchos talentos extraordinarios como Mabuse, siempre esta detras de Mabuse y sigue las pistas pacientemente, cavilando sobre la identidad del criminal. Ante esta descripción parece que Mabuse tiene todas las de ganar, sin embargo su gran genio viene acompañado por grandes vicios y defectos que finalmente son los que provocan su caída y muerte.
Más que quedarse en la crítica social, Lang ahonda en un análisis de la condición humana en la figura del doctor Mabuse, el cual conforme va avanzando la película pierde la compostura y enloquece por causa de sus propios deseos y temores.
“El Maquinista del General” (1926) es quizás la película más conocida de Buster Keaton,director y actor de comedias físicas durante la época del cine mudo. La película cuentan la historia de Johnnie Gray, maquinista del tren “El General”, quien durante la guerra civil Americana es rechazado por su novia al no poder alistarse en el ejército pero que posteriormente se convierte en un héroe para la Unión al rescatar a su novia en territorio norteño y alertar a las tropas del sur de un inminente ataque.
La película presenta una visión ligera y cómica de la guerra entre el Norte y el Sur de Estados Unidos, no hay lugar para cuestiones ideológicas, políticas o sociales, nunca se exhiben los motivos de la guerra y solo al inicio del filme podemos ver dos personajes negros mezclados entre la multitud de desciende de “El General”.
La muerte también se trata con ligereza y en algunos casos con propósitos cómicos, como las posturas exageradas que adoptan algunos personajes cuando son heridos de muerte, especialmente durante la escena del francotirador que va matando uno a uno a los soldados que acompañan a Johnnie durante la batalla final, esta escena culmina cuando la torpeza de este logró darle muerte al lanzar la hoja de su sable que terminó clavada en su espalda.
Estos factores logran darle a la película un tono ligero y alegre que se ve complementado por los chistes físicos tan característicos de Keaton, quien durante toda la película logra mantener una inexpresividad ante las múltiples situaciones donde su integridad física o su propia vida se encuentran en peligro inminente.
A pesar de ser considerada en la actualidad una de las películas más icónicas del cine mudo de la década del 20, en su momento fue considerada “aburrida” y un fracaso de taquilla, adjetivos que se deben a que muchos críticos de la época lo consideraban pobre, debido a la ausencia de grandes y elaborados decorados y disfraces, característicos de las grandes producciones hollywoodenses del momento. Sin embargo es esta simpleza la que ensalza el genio de Keaton, quien siempre supo llevar risas con el más modesto presupuesto, aunque claro esta que no debemos ignorar la famosa escena donde un puente colapsa y un tren cae al rio, escena que contrasta por su realismo con las grandes ciudades de cartón que Hollywood pretende vender al hombre de a pie, desde ese momento hasta el día de hoy.
“Anónimo Veneciano” es una película dirigida por Enrico Maria Salerno en su debut como director en 1970. La historia se desarrolla en dos tiempos: el primero desarrolla la historia de Enrico y Valeria, su mujer, que se encuentran actualmente separados pero que se encuentran en Venecia a petición de Enrico. La segunda línea se desarrolla a través de flashbacks que dan más detalles de la relación que mantenían los personajes y nos deja entender sus motivaciones y deseos.
La motivación principal de Enrico es ver una última vez a su mujer antes de morir por una enfermedad mortal que lo agobia. Inicialmente se porta evasivo y trata de enojar a Valeria con preguntas maliciosas, aunque ella poco a poco se va a dar cuenta de la enfermedad de Enrico y que aun lo ama, aunque inicialmente se comportara recelosa y molesta con este.
Al final de la película ambos personajes llegan a término con sus propios sentimientos y destinos, Enrico resignarse a la muerte luego de ver por última vez a su mujer, y Valeria comprendiendo que aun ama a Enrico y respetando su decisión de no volver a verlo nunca más.
Uno de los aspectos más resaltantes de la película es la ciudad de Venecia, la cual se ve desolada y ruinosa, pues los personajes parecen moverse en un pueblo fantasma donde transitan escasas personas y cuyo ambiente de decrepitud se relaciona con la enfermedad de Enrico. Para crear esta atmósfera, la música es un factor importante en la película pues posee un tono de tristeza y melancolía que sirve como preámbulo del desenlace. El tema principal es el concierto en Re menor para oboe de Alessandro Marcello, cuya denominación de “anónimo veneciano” da el nombre a este filme.
En conclusion, Anonimo Veneciano es una pelicula tragica, que si bien utiliza muchos temas reciclados, como el amor truncado, lo hace mediante la creacion de una atomosfera que intensifica el impacto emotivo de la trama.
La música ha estado presente en la historia del cine desde sus inicios, servía para romper la monotonía de imágenes secuenciales durante el cine mudo, representando en muchas ocasiones los cambios de humor de los personajes y las escenas. Con la evolución tecnológica del cine se ha podido implementar mejores y más elaboradas bandas sonoras que ya no solo combinaban los instrumentos musicales con las escenas, sino que podían incorporar la voz humana en la forma de canción.
En el caso de “Les Demoiselles de Rochefort” es uno muy particular, ya que es una producción americo-francesa donde la mayoría de actores masculinos eran americanos, bailarines profesionales que acompañan la música con enérgicas coreografías, como el caso de Gene Kelly cuyas líneas cantadas son dobladas por otro cantante, y las femeninas eran francesas ( Catherine Deneuve y Francoise Dorleac).
La película, de tono ligero y jovial, cuenta la historia de dos hermanas que buscan el verdadero y poder salir de su ciudad natal de Rochefort, durante la película conocen a dos encantadores jóvenes que trabajan en un circo, un compositor americano (Kelly) y un soñador marinero que busca a una joven que conoció hace mucho tiempo.
La estrella principal del filme es el compositor Michel Legrand, autor de las canciones utilizadas en la película, cuyo carácter alegre y lúdico contrasta marcadamente con la otra obra maestra de este compositor: “Los paraguas de Cherburgo”, cuya banda sonora resalta el carácter triste y melancólico de la historia.
La película es principalmente un gran vídeo musical, ya que los conflictos se resuelven sin provocar grandes cambios en los personajes y las oposiciones solo sirven para transitar de una canción a otra.
South Park: Longer Bigger and Uncut
Otra película cuyas canciones cuentan la mayor parte de la historia, es South Park de Trey Parker y Matt Stone, en la cual un grupo de niños debe detener la ejecución de sus actores favoritos de cine o causar el apocalipsis. De manera similar a “Les Demoiselles de ROchefort”, en South Park los personajes suelen explicar sus motivos, acciones o intenciones a través de canciones, el carácter lúdico esta presenta y posee muchas similitudes con musicales como “Les Miserables”, tanto en los temas como en la ejecución.
Si bien Stanley Kubrik ha adaptado varias obras literarias a la pantalla grande, no es conocido por apegarse mucho a la premisa original de los autores originales. Un ejemplo es "La Naranja Mecánica"(1971), donde exploraba la violencia y los métodos, acondicionamiento psicológico y los limites de la libertad, sin embargo el tema del acondicionamiento psicológico toma un rol principal en la ultima parte de la película, ya que la inefectividad del tratamiento Ludovico culminando con la promesa de mas violencia sin sentido por parte de Alex, mientras que el libro concluye con el amoldamiento de Alex a aquella sociedad que pretendía rechazar bajo la promesa de que sus hijos seran mas destructivos que el.
De la misma forma, en "El Resplandor", Kubrik ignora ciertos elementos de la novela de Stephen King para poder proyectar ideas propias. En el libro, Jack es un personaje mucho mas trágico, ya que las fuerzas sobrenaturales del hotel tratan de corromper su mente mientras este se aferra al amor por su familia, siendo finalmente redimido mediante el sacrificio, sin embargo, para Kubrik, Jack es un personaje que se encuentra al borde de la locura y cuyos problemas de alcoholismo y deseos oscuros lo hacen sucumbir fácilmente a las fuerzas sobrenaturales del hotel. Incluso estos elementos sobrenaturales presentes en la película son puestos en duda, ya que los protagonistas no son observadores confiables al encontrarse en un estado mental cuestionable, fuertemente influenciado por su soledad, las historias sobre el hotel y la paranoia.
En la película también son resaltados los problemas que tiene Jack con su esposa e hijo, ya que los ve como una carga y desea escapar a un ambiente mas libre y clamoroso que se refleja en las ilusiones que se presentan ante el tanto en la forma de la mujer desnuda, que representa su poca satisfacción marital, como en la fiesta en el Salón Dorado, donde en contraste con su vida de escritor fracasado y alcohólico, es un personaje importante.
Todos estos elementos hacen de Jack un personaje poco carismático que contrasta marcadamente con la imagen de el que King intentaba proyectar, no es entonces una sorpresa que inicialmente esta adaptación no fuese de su agrado y que este intentara años mas tarde dirigir una nueva adaptación para la televisión.
Estos elementos humanos hacen de "El Resplandor" una de las mejores peliculas del cine de terror, ya que la presencia de fuerzas desconocidas es puesta en duda mientras que se resalta el componente humano, que termina siendo el detonante de la locura de Jack.
Las adaptaciones literarias en el cine cuentan con una rica y variada historia, desde las primeras adaptaciones teatrales al cine, la literatura ha sido fuente de inspiraciones para muchos directores y escritores, quienes no solo se han volcado a las obras teatrales sino que también ha la novelas, historietas, cuentos entre otros para trasladarlas a la pantalla grande.
Uno de los casos más interesantes es el del Satyricon de Federico Fellini de 1969. Basada en la novela El Satyricon de Petronio, narra las desventuras de Encolpio, un joven esclavo liberado que junto a su amante Giton y su amigo Ascilto viven numerosas desventuras, mientras recorren una Roma decadente.
La obra de Petronio solo sobrevive en fragmentos, lo cual motivo a Fellini ha realizar una novedosa forma de adaptación, al llenar con acontecimientos de su propia cosecha las lagunas existentes entre los capítulos, intercalando la historia de Encolpio con otras historias tales como cuentos y escenas con nuevos personajes que ayudan a los espectadores ha afianzar la sensación de decadencia en Roma.
El tema principal es la antigua Roma, pero no en el mismo tono de reminiscencia de otras películas históricas que pretenden mostrar un pasado glorioso y épico. El Satyricon muestra de manera descarnada los vicios y extravagancias de una sociedad que se cae a pedazos por la muerte del Emperador y el surgimiento de un nuevo César. Los personajes presentes en la película tratan de distintas maneras de sobrevivir estos cambios, ya sea refugiándose en ostentosas fiestas o en la figura de un santo como el Hermafrodita.
Esta película es la interpretación personal y libre de Fellini, quien usa el tema de la decadencia romana para reflejar al mismo tiempo la decadencia de su propio tiempo.
Velvet Blue es una película de 1986 dirigida por David Lynch. La trama gira en torno a Jeffrey, un muchacho que de regreso de visitar a su padre que se encuentra en el hospital encuentra una oreja en el pasto y se la lleva al detective Williams, vecino de su padre. Luego conoce a Sandy, quien alienta el morbo de Jeffrey por descubrir cual es el significado de la oreja encontrada y si pertenece a alguien vivo o muerto. Estos eventos propiciaron el involucramiento de Jeffrey con Dorothy, una cantante, y Frank, su amante sadomasoquista, además de un nutrido grupo de personajes excéntricos, a la vez que también revela las propias excentricidades y perversiones de Jeffrey.
En la película se muestran dos caras de la vida, por un lado está la vida llena de buenas apariencias y apacibilidad, simbolizada por las casas perfectamente alineadas, pintadas con jardines perfectos y ropa de colores claros del vecindario de Jeffrey, del cual Jeffrey y Sandy se trasladan a la otra cara de la ciudad, llena de edificios altos de aspecto torvo y ensombrecido donde habitan Frank, Dorothy y otros personajes igual o más excéntricos. Otro aspecto particular de esta película es que las fronteras entre la bondad y la maldad no están claramente definidas, Jeffrey parece ser el héroe, sin embargo sus acciones no son a causa de razones altruistas, sino que siempre tienen una motivación más oscura, ya sea el morbo o la lujuria. De la misma manera Sandy tampoco es la inocente chica de secundaria que aparenta ser, esto se ve simbolizado en su primera aparición, cuando surge súbitamente de las sombras para interrogar a Jeffrey sobre la oreja que encontró.
Velvet Blue es una pelicula cuyo mensaje final es que incluso detras de las cosas más bellas se esconde un lado oscuro y perverso.
La trama de Bad Taste gira en torno de un grupo de amigos que forman parte del Servicio de investigación y defensa espacial (AIDS), los cuales han sido enviados a un pueblo cuyos habitantes han desaparecido y han sido reemplazados por alienígenas, a los cuales tienen la misión de exterminar y averiguar qué había sucedido con los habitantes del pueblo.
Dirigida por Peter Jackson, Bad Taste es una prototípica película del Cine B, no solo por el limitado presupuesto con el que se financió la película, reflejado en los poco realistas efectos especiales y la gran cantidad de gore, sino también por el género escogido, la ciencia ficción que se popularizó a partir de la década de 1950.
Como una película de cazadores de alienígenas, la película incluye una gran cantidad de escenas de acción, especialmente de disparos, sablazos y cuchilladas que tienen por lo general a los alienígenas en el lado receptor, donde no se pierde la oportunidad de despanzurrarlos para la exhibición grotesca de sus entrañas. SIn embargo Bad Taste no es solo un festival de gore, contienen muchas referencias a otras películas de ciencia-ficción y también no pierde la oportunidad de parodiar muchos de los clichés de las peliculas de este genero, tales como el malfuncionamiento repentino de las armas de fuego, la necesidad obsesiva de uno de los personajes por el uso de un lanzacohetes.
Adicionalmente también hay elementos que desdibujan la realidad y parecen extraídos de las caricaturas, elementos que si bien se sienten con mayor fuerza en Brain Dead, otra película b de Jackson, se encuentran presentes también en Bad Taste, especialmente en la forma en que un cohete destinado a destruir la casa de los alienígenas no llega a impactar por la repentina caída de una mesa, o como al final uno de los personajes mata al líder de los alienígenas y luego usa su piel como disfraz.
En resumen, Bad Taste no es una pelicula que se tome a si misma muy en serio, parece mas el producto de la experimentacion de un emergente cineasta que trato de pasar junto a sus amigos un momento divertido.
martes, 22 de abril de 2014
Romeo y Julieta
El propósito de una adaptación literaria al cine es que el filme se sostenga por sí mismo sin necesidad de recurrir al material original. En el caso de las adaptaciones de las obras de William Shakespeare, las ventajas que brinda la pantalla grande son muchas: mayor variedad de escenarios, vestidos y la presencia de una banda sonora que en muchos casos no ha sido pensada en el material original pero que conlleva un efecto poderoso en la versión cinematográfica.
“Romeo y Julieta” de Franco Zeffirelli es una de las más populares adaptaciones de la obra homónima pone énfasis en el apasionado amor de Romeo y Julieta y suprimiendo ciertas acciones cuestionables, especialmente por parte de Romeo, como su intervención en favor de la paz durante el duelo entre Tybalt y Mercutio o la supresión del duelo entre Romeo y Paris luego de la fingida muerte de Julieta. Ambas Modificaciones evidencian la intención del director de hacer a Romeo un personaje que inspira más simpatía en el público.
Otro elemento importante introducido por Zeffirelli es el tema principal de la banda sonora “What is the youth” que es inicialmente presentado en una escena introducida durante el primer encuentro entre Romeo y Julieta y que simboliza su apasionado amor que, por la composición y letra, representa el amor que los une y precede al trágico desenlace.
Por último la razón más importante de la intensidad y brillo de Romeo y Julieta son las convincentes actuaciones del reparto, especialmente de Olivia Hussey como Julieta y Leonard Whiting como Romeo, quienes aportan una poderosa y convincente representación del trágico amor que unió a los protagonistas.
Adaptación de la literatura
El trono de Sangre de Akira Kurosawa es una adaptación de otra obra de William Shakespeare: Macbeth. Ambientada en el Japón Feudal, el filme sigue la historia del general Washizu, un valeroso guerrero que a causa de las predicciones de una anciana es urgido por su esposa y su propia ambición a hacerse con el poder matando a su señor y a todo aquel que se interpone en su camino, iniciando una espiral hacia su propia degeneración y condena que culmina con la traición de sus seguidores.
Como toda adaptación cinematográfica, “El trono de sangre” modifica algunas partes del texto original para dar más énfasis a un aspecto especial del filme, siendo los elementos modificados más notables el asesinato del general Miki, combinando el personaje de Banquo y transfiriendo el rol de Macduff al hijo de este, además la escena climática donde Macbeth es muerto por Macduff fue suprimida en favor de una culminación más acorde con la degeneración de Washizu.
La adaptacion ha sido muy bien lograda porque representa de forma brillante la degeneración de Washizu que pasa de ser un guerrero valiente y honorable que es capaz de ganar una batalla que se consideraba perdida, a ser un cobarde que busca con desesperación la ayuda de los poderes sobrenaturales para prevenir su inminente caída del poder, que culmina en su innoble muerte perpetrada por sus seguidores.
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