La Ricotta

La Ricotta es uno de los cuatro cortos presentes en Ro.Go.Pa.G. Dirigido por Pasolini, cuenta la vida y muerte de un hombre pobre y hambriento que actúa en un filme sobre la Pasión de Cristo.

En este corto, Giovanni Strazzi es el hombre pobre y hambriento que busca a lo largo de la historia algo que comer, primero se ve forzado a dar su ración a su familia, luego se disfraza de uno de los personajes de la obra para recibir otra ración pero esta es comida por el perro de la mujer del director (Orson Welles), quien es entrevistado por un periodista algo tonto, al cual ridiculiza sin que éste se dé por aludido.

Entre estas escenas se encuentran también las recreaciones de las escenas de la pasión de Cristo, las cuales si bien tienen un contenido religioso se desarrollan en un ambiente informal, donde los actores se rien, aburren y equivocan.

Cuando Strazzi finalmente consigue algo de comer, su desesperación es vista por los otros miembros del elenco, quienes se burlan de la forma en que come y le dan más comida, la cual este consume de forma frenética. Cuando debe “actuar” en su papel de ladrón bueno, la combinacion de haber comido tanto y la posición incómoda de hallarse sobre una cruz durante varias horas causa que muera de indigestión.

La película es una crítica ácida a la sociedad italiana, especialmente al clero, quienes prefieren llenarse de lujos e ignorar a los pobres, contrariando así los mandamientos de Cristo, el cual era uno de los personajes que más fascinó a Pasolini.

Rashomon (1950)

Madafakin Tajomaru!!!

Akira Kurosawa es uno de los directores japonés que más ha influido en el cine occidental, en sus películas suele analizar la naturaleza humana, obviamente influenciado por sus propias experiencias y los traumas vividos por el pueblo japonés durante la segunda guerra mundial, pero cuyo mensaje profundamente humano los convierte en universales. La raison d'etre, la naturaleza humana, la injusticia y la alegría de vivir son algunos temas que ha abordado a lo largo de su prolífica carrera.

Rashomon inicia con el encuentro durante una noche lluviosa en las ruinas de un templo de un campesino con un monje y un leñador que se encuentran afligidos y meditativos por las historias que escucharon por el juicio de un asesinato de un samurai y la violación de su esposa por un bandido. Para satisfacer la curiosidad del recién llegado le relatan las tres historias contadas por los implicados, el bandido Tajomaru, el samurai muerto a través de una médium  y su esposa ante el señor del Castillo que juzga el caso de asesinato. Los tres presentan versiones contradictorias del mismo suceso que terminan siempre en la muerte del samurai, aún insatisfecho, el campesino nota el nerviosismo del leñador y le convence para que cuente su historia, pues este asegura que había visto lo acontecido pero que no contó su historia para quedarse con una preciosa daga que portaba la esposa y que olvidó en el bosque.

La historia contada por el leñador es mucho menos romántica que las tres primeras, en esta los tres implicados actúan de un modo más patético y egoísta que en las versiones anteriores, y concluye con el asesinato por parte del samurai por parte de Tajomaru después de un ridiculo duelo y el escape de la esposa. Luego de terminar su relato los hombres escuchan el llanto de un bebé y cuando van a investigar lo encuentran en una esquina, acostado sobre un kimono y con un amuleto de protección, sin embargo el campesino en lugar de socorrer al bebé toma la ropa y el amuleto e intenta irse, el leñador indignado le recrimina su accionar pero el otro le responde que él ha hecho lo mismo con la daga y que para sobrevivir todos son egoístas. El monje desilusionado del accionar de los hombres se niega inicialmente a darle el bebé al campesino, pero este le dice que tiene seis hijos y que uno más no hará diferencia, asumiendo que robó la daga para mantener a su familia, el monje le da al niño y recupera su fe en la humanidad.

La forma de contar varios versiones diferentes del mismo suceso y la final sea la verdadera es conocida como “El efecto Rashomon”, pero esto es solo acercarse superficialmente a la película de Kurosawa. Todas las versiones son igualmente plausibles o falsas porque todos los personajes tienen intereses propios que defender. En el caso de Tajomaru, quien va a perder la vida de todos modos, le interesa hacer creer que es un gran ladrón y experto espadachín, por lo que cuenta que tuvo un honorable duelo con el Samurai por la mujer en el que finalmente le da muerte; en el de la esposa, esta pretende justificarse como una esposa devota a la cual la frialdad de su marido la llevó a cometer el crimen y en el del samurai, quien busca que no manche su honor después de su muerte, al contar que optó por el suicidio para salvar su integridad moral, La historia del leñador, considerada por muchos como la auténtica, esta diseñada también para beneficiar a su autor,mediante su relato expuso a los implicados como sumamente egoístas y cobardes (el samurai tiene miedo de pelear, la mujer es una manipuladora harta de su matrimonio y Tajomaru solo es un simple ladrón que carece de cualquier tipo de maestría con la espada), justificando en cierta forma el robo de la daga, algo que le echara en cara el campesino durante su propia justificación de su robo al bebé de sus pocas pertenencias con las que fue abandonado (“Si no eres egoísta no puedes sobrevivir”).

Rashomon finaliza en un aparente final feliz, sin embargo en los espectadores crece la duda si lo que vimos es cierto, si el leñador tiene 6 hijos o sera un borracho que se gastó el dinero en que obtuvo vendiendo la daga en sake. Sin embargo más que enfocarnos en el leñador y la veracidad de su historia, debemos dirigir nuestra mirada al monje y su renovada fe en la humanidad, aunque parezca probablemente basada en otra mentira.

Completa y con subtitulos en espanol

Doctor Mabuse Der Spieler (1922)

La fascinación que sentía Fritz Lang por el personaje del Doctor Mabuse, se inició con esta película de 1922, a la cual seguirían posteriormente dos más. A diferencia de otras películas mudas, esta tuvo inicialmente una duración de 4 horas, que posteriormente fue  reducida a dos partes de 270 minutos en total.

Der Spieler cuenta la historia del Doctor Mabuse, un psicólogo que a través de la manipulación, la hipnosis, la estafa  y métodos menos delicados como el robo y el asesinato planea junto a sus secuaces enriquecerse ilegalmente mediante la manipulación de las especulaciones financieras. Sin embargo, el doctor Mabuse posee un adversario peligroso en el inspector de policía Norbert Von Wenk, quien pacientemente sigue el rastro criminal de Mabuse.

Como otras películas de Lang, Der Spieler posee elementos de crítica social, como la forma en la que se representa a los personajes de clase alta, quienes son debiluchos y fácilmente manipulables , por lo que se convierten sin querer en cómplices de Mabuse. Sin embargo, el rasgo más prominente de la película es el contraste generado entre el accionar de los dos personajes principales, por un lado Mabuse lleva a cabo sus obras maestras de villanía con una precisión asombrosa, anticipando el resultado final y nunca dejando nada al azar, posee múltiples talentos y un grupo de secuaces que le son leales ya sea por afinidad o por miedo. En cambio, Von Wenk es más un hombre común, no tiene muchos talentos extraordinarios como Mabuse, siempre esta detras de Mabuse y sigue las pistas pacientemente, cavilando sobre la identidad del criminal. Ante esta descripción parece que Mabuse tiene todas las de ganar, sin embargo su gran genio viene acompañado por grandes vicios y defectos que finalmente son los que provocan su caída y muerte.

Más que quedarse en la crítica social, Lang ahonda en un análisis de la condición humana en la figura del doctor Mabuse, el cual conforme va avanzando la película pierde la compostura y enloquece por causa de sus propios deseos y temores.

El Maquinista del General de Buster Keaton

“El Maquinista del General” (1926)  es quizás la película más conocida de Buster Keaton,director y actor de comedias físicas durante la época del cine mudo. La película cuentan la historia de Johnnie Gray, maquinista del tren “El General”, quien durante la guerra civil Americana es rechazado por su novia al no poder alistarse en el ejército pero que posteriormente se convierte en un héroe para la Unión al rescatar a su novia en territorio norteño y alertar a las tropas del sur de un inminente ataque.

La película presenta una visión ligera y cómica de la guerra entre el Norte y el Sur de Estados Unidos, no hay lugar para cuestiones ideológicas, políticas o sociales, nunca se exhiben los motivos de la guerra y solo al inicio del filme podemos ver dos personajes negros mezclados entre la multitud de desciende de “El General”.

La muerte también se trata con ligereza y en algunos casos con propósitos cómicos, como las posturas exageradas que adoptan algunos personajes cuando son heridos de muerte, especialmente durante la escena del francotirador que va matando uno a uno a los soldados que acompañan a Johnnie durante la batalla final, esta escena culmina cuando la torpeza de este logró darle muerte al lanzar la hoja de su sable que terminó clavada en su espalda.

Estos factores logran darle a la película un tono ligero y alegre que se ve complementado por los chistes físicos tan característicos de Keaton, quien durante toda la película logra mantener una inexpresividad ante las múltiples situaciones donde su integridad física o su propia vida se encuentran en peligro inminente.

A pesar de ser considerada en la actualidad una de las películas más icónicas del cine mudo de la década del 20, en su momento fue considerada “aburrida” y un fracaso de taquilla, adjetivos que se deben a que muchos críticos de la época lo consideraban pobre, debido a la ausencia de grandes y elaborados decorados y disfraces, característicos de las grandes producciones hollywoodenses del momento. Sin embargo es esta simpleza la que ensalza el genio de Keaton, quien siempre supo llevar risas con el más modesto presupuesto, aunque claro esta que no debemos ignorar la famosa escena donde un puente colapsa y un tren cae al rio, escena que contrasta por su realismo con las grandes ciudades de cartón que Hollywood pretende vender al hombre de a pie, desde ese momento hasta el día de hoy.

Anónimo Veneciano

“Anónimo Veneciano” es una película dirigida por Enrico Maria Salerno en su debut como director en 1970. La historia se desarrolla en dos tiempos: el primero desarrolla la historia de Enrico y Valeria, su mujer, que se encuentran actualmente separados pero que se encuentran en Venecia a petición de Enrico. La segunda línea se desarrolla a través de flashbacks que dan más detalles de la relación que mantenían los personajes y nos deja entender sus motivaciones y deseos.  

La motivación principal de Enrico es ver una última vez a su mujer antes de morir por una enfermedad mortal que lo agobia. Inicialmente se porta evasivo y trata de enojar a Valeria con preguntas maliciosas, aunque ella poco a poco se va a dar cuenta de la enfermedad de Enrico y que aun lo ama, aunque inicialmente se comportara recelosa y molesta con este.

Al final de la película ambos personajes llegan a término con sus propios sentimientos y destinos, Enrico resignarse a la muerte luego de ver por última vez a su mujer, y Valeria comprendiendo que aun ama a Enrico y respetando su decisión de no volver a verlo nunca más.

Uno de los aspectos más resaltantes de la película es la ciudad de Venecia, la cual se ve desolada y ruinosa, pues los personajes parecen moverse en un pueblo fantasma donde transitan escasas personas y cuyo ambiente de decrepitud se relaciona con la enfermedad de Enrico.  Para crear esta atmósfera, la música es un factor importante en la película pues posee un tono de tristeza y melancolía que sirve como preámbulo del desenlace. El tema principal es el concierto en Re menor para oboe de Alessandro Marcello, cuya denominación de “anónimo veneciano” da el nombre a este filme.

En conclusion, Anonimo Veneciano es una pelicula tragica, que si bien utiliza muchos temas reciclados, como el amor truncado, lo hace mediante la creacion de una atomosfera que intensifica el impacto emotivo de la trama.

Les demoiselles de Rochefort

La música  ha estado presente en la historia del cine desde sus inicios, servía para romper la monotonía de imágenes secuenciales durante el cine mudo, representando en muchas ocasiones los cambios de humor de los personajes y las escenas. Con la evolución tecnológica del cine se ha podido implementar mejores y más elaboradas bandas sonoras que ya no solo combinaban los instrumentos musicales con las escenas, sino que podían incorporar la voz humana en la forma de canción.

En el caso de “Les Demoiselles de Rochefort” es uno muy particular, ya que es una producción americo-francesa donde la mayoría de actores masculinos eran americanos, bailarines profesionales que acompañan la música con enérgicas coreografías, como el caso de Gene Kelly cuyas líneas cantadas son dobladas por otro cantante, y las femeninas eran francesas ( Catherine Deneuve y Francoise Dorleac).

La película, de tono ligero y jovial, cuenta la historia de dos hermanas que buscan el verdadero y poder salir de su ciudad natal de Rochefort, durante la película conocen a dos encantadores jóvenes que trabajan en un circo, un compositor americano (Kelly) y un soñador marinero que busca a una joven que conoció hace mucho tiempo.

La estrella principal del filme es el compositor Michel Legrand, autor de las canciones utilizadas en la película, cuyo carácter alegre y lúdico contrasta marcadamente con la otra obra maestra de este compositor: “Los paraguas de Cherburgo”, cuya banda sonora resalta el carácter triste y melancólico de la historia.

La película es principalmente un gran vídeo musical, ya que los conflictos se resuelven sin provocar grandes cambios en los personajes y las oposiciones solo sirven para transitar de una canción a otra.

South Park: Longer Bigger and Uncut

Otra película cuyas canciones cuentan la mayor parte de la historia, es South Park de Trey Parker y Matt Stone, en la cual un grupo de niños debe detener la ejecución de sus actores favoritos de cine o causar el apocalipsis. De manera similar a “Les Demoiselles de ROchefort”, en South Park los personajes suelen explicar sus motivos, acciones o intenciones a través de canciones, el carácter lúdico esta presenta y posee muchas similitudes con musicales como “Les Miserables”, tanto en los temas como en la ejecución.

La adaptacion literaria libre 2: El resplandor

Si bien Stanley Kubrik ha adaptado varias obras literarias a la pantalla grande, no es conocido por apegarse mucho a la premisa original de los autores originales. Un ejemplo es "La Naranja Mecánica"(1971), donde  exploraba la violencia y los métodos, acondicionamiento psicológico  y los limites de la libertad, sin embargo el tema del acondicionamiento psicológico toma un rol principal en la ultima parte de la película, ya que la inefectividad del tratamiento Ludovico culminando con la promesa de mas violencia sin sentido por parte de Alex, mientras que el libro concluye con el amoldamiento de Alex a aquella sociedad que pretendía rechazar bajo la promesa de que sus hijos seran mas destructivos que el.

De la misma forma, en "El Resplandor", Kubrik ignora ciertos elementos de la novela de Stephen King para poder proyectar ideas propias. En el libro, Jack es un personaje mucho mas trágico, ya que las fuerzas sobrenaturales del hotel tratan de corromper su mente mientras este se aferra al amor por su familia, siendo finalmente redimido mediante el sacrificio, sin embargo, para Kubrik, Jack es un personaje que se encuentra al borde de la locura y cuyos problemas de alcoholismo y deseos oscuros lo hacen sucumbir fácilmente  a las fuerzas sobrenaturales del hotel. Incluso estos elementos sobrenaturales presentes en la película son puestos en duda, ya que los protagonistas no son observadores confiables al encontrarse en un estado mental cuestionable, fuertemente influenciado por su soledad, las historias sobre el hotel y la paranoia.

En la película también son resaltados los problemas que tiene Jack con su esposa e hijo, ya que los ve como una carga y desea escapar a un ambiente mas libre y clamoroso que se refleja en las ilusiones que se presentan ante el tanto en la forma de la mujer desnuda, que representa su poca satisfacción marital, como en la fiesta en el Salón Dorado, donde en contraste con su vida de escritor fracasado y alcohólico, es un personaje importante.

Todos estos elementos hacen de Jack un personaje poco carismático que contrasta marcadamente con la imagen de el que King intentaba proyectar, no es entonces una sorpresa que inicialmente esta adaptación no fuese de su agrado y que este intentara años mas tarde dirigir una nueva adaptación para la televisión.

Estos elementos humanos hacen de "El Resplandor" una de las mejores peliculas del cine de terror, ya que la presencia de fuerzas desconocidas es puesta en duda mientras que se resalta el componente humano, que termina siendo el detonante de la locura de Jack.